Mario Santizo es un artista de la ciudad de Guatemala nacido en Zaragoza, Chimaltenango, Guatemala. Completó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla. Trabaja con fotografía, dibujo, pintura y animación, entre otras disciplinas. Santizo fue miembro fundador del Taller Experimental de Gráfica de Guatemala, donde trabajó de 2007 a 2014, y donde coordinó el espacio expositivo TRAMA de 2014 a 2017. Actualmente trabaja como coordinador del espacio RIVAL, para producir exposiciones no convencionales, y en el espacio El Sobrante, donde organiza conversaciones con jóvenes artistas para ayudarles a desarrollar y producir sus proyectos. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Guatemala, México, El Salvador, Costa Rica, España, Francia, Suiza e Italia.
En su serie Desaparecer, Mario se dibuja a sí mismo perdiendo sus límites corporales en el entorno que le rodea, las estructuras urbanas y los ecosistemas de la Ciudad de Guatemala. Vemos media figura, la pierna de su pantalón y su camiseta borrados en el contorno de un árbol. No está detrás de él, es él. La figura se agazapa en una maceta, un contorno marca donde estaba el humano; las flores están más plenamente representadas. Desaparecer, ser desaparecido, tiene resonancias específicas en el contexto de este lugar. En el imaginario de Mario, sin embargo, el ser se mezcla con las superficies de la ciudad, en un proceso de absorción y desaparición como un hongo que hace que los bordes de su cuerpo sean mucho más porosos.
En una serie de pinturas digitales, Mario estudia loros cuyo comentario político es reiterativo. Ellos graznan las frases que escuchamos, de manera casual: "La religión es el opio de las masas", "La gente es pobre porque elige serlo", gritan los pájaros, estrechando enfáticamente las complejas realidades en un blanco y negro político. “¿De dónde viene nuestra ideología política?” Mario pregunta. “¿Es algo en lo que pensamos, construimos y meditamos a partir de la investigación o de la memoria histórica? ¿O es simplemente la repetición por imitación del círculo social al que pertenecemos o queremos pertenecer?" A menudo ha utilizado las fisuras entre animales y humanos para ilustrar estados emocionales, ambigüedades morales y comedia política. Dos conejos se dan la mano en trajes de negocios. Un ciervo lucha con un hombre hasta el suelo. "...lo gracioso siempre tropieza con lo no gracioso, a veces resultando idéntico a él", escriben Lauren Berlant y Sianne Ngai.
En 2018, Santizo pintó una serie de incendios sobre lienzo, "el incendio del Museo Nacional de Brasil en 2018 me hizo recordar la fragilidad de la que se compone la Historia: todo puede perderse en un accidente o en un acto premeditado", escribe. "Guatemala tiene una relación frecuente con el fuego: las veces que se ha quemado el mercado La Terminal en zona 4, la matanza de la embajada de España en 1980, la reciente erupción del Volcán de Fuego que terminó en tragedia... las 41 niñas calcinadas en el Hogar Seguro Virgen de la Asunción bajo custodia de autoridades públicas.... Quería llevar fuego al menos de manera simbólica al edificio de Correos como espacio municipal y del gobierno. Que se queme también.". Recientemente, Santizo instaló un telón de fondo teatral pintado a mano frente al Centro Cultural de España en la ciudad de Guatemala. Tres barcos flotan en el agua imposiblemente azul justo detrás de una playa de arena, una caricaturesca y feliz puesta en escena de la llegada de los españoles para conquistar y colonizar las Américas. La obra invita a la tontería, incluso en su gesto decolonial: una persona trae un estandarte con Elvis para pararse en la "arena", un grupo de jóvenes cuir con máscaras de cuero, redes de pesca y elaborados vestidos de color pastel posan con estandartes de anarquía, los niños se toman de la mano y miran con curiosidad a sus padres.
Si los límites entre la naturaleza animal y la humana se superponen, también lo hacen los límites entre la memoria, la historia y la emoción, que son en sí mismos un frágil ecosistema de maleabilidad interactiva y relaciones de poder cambiantes. Los cuerpos están hechos de más que materia; o los recuerdos y las relaciones se convierten en una especie de objeto material. De cualquier manera, Mario sugiere que las diversas manifestaciones del humor, incluso cuando se trata de una risa incómoda, nos dan un espacio de maniobra, un respiro desde el que considerar el cambio de forma inherente a la historia, y nuestro propio estado constante de reaprendizaje, desconocimiento, influencia, cambio.
Desaparecer
La primera iteración de este proyecto fue un performance en vivo con mi madre, Gloria María Morillo. Basado en nuestras conversaciones mientras discutimos una selección de tragedias griegas, este performance intenta reconstruir una historia fragmentada de Puerto Rico a través de la perspectiva de mi madre. Este performance también hace referencia al ensayo “ El Género del Sonido” de Anne Carson, particularmente a los festivales clandestinos realizados en las afueras de la ciudad por las mujeres de la isla de Lesbos y a los “Ololyga”, un grito ritualístico que representa un llanto de dolor o placer extremo y que era emitido en estos festivales. Mi madre y yo adoptamos el concepto del “Ololyga” e intentamos explorar su voz como su archivo de duelo e historia.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
Loros
La primera iteración de este proyecto fue un performance en vivo con mi madre, Gloria María Morillo. Basado en nuestras conversaciones mientras discutimos una selección de tragedias griegas, este performance intenta reconstruir una historia fragmentada de Puerto Rico a través de la perspectiva de mi madre. Este performance también hace referencia al ensayo “ El Género del Sonido” de Anne Carson, particularmente a los festivales clandestinos realizados en las afueras de la ciudad por las mujeres de la isla de Lesbos y a los “Ololyga”, un grito ritualístico que representa un llanto de dolor o placer extremo y que era emitido en estos festivales. Mi madre y yo adoptamos el concepto del “Ololyga” e intentamos explorar su voz como su archivo de duelo e historia.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
Dissolve
La primera iteración de este proyecto fue un performance en vivo con mi madre, Gloria María Morillo. Basado en nuestras conversaciones mientras discutimos una selección de tragedias griegas, este performance intenta reconstruir una historia fragmentada de Puerto Rico a través de la perspectiva de mi madre. Este performance también hace referencia al ensayo “ El Género del Sonido” de Anne Carson, particularmente a los festivales clandestinos realizados en las afueras de la ciudad por las mujeres de la isla de Lesbos y a los “Ololyga”, un grito ritualístico que representa un llanto de dolor o placer extremo y que era emitido en estos festivales. Mi madre y yo adoptamos el concepto del “Ololyga” e intentamos explorar su voz como su archivo de duelo e historia.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
Fuego
La primera iteración de este proyecto fue un performance en vivo con mi madre, Gloria María Morillo. Basado en nuestras conversaciones mientras discutimos una selección de tragedias griegas, este performance intenta reconstruir una historia fragmentada de Puerto Rico a través de la perspectiva de mi madre. Este performance también hace referencia al ensayo “ El Género del Sonido” de Anne Carson, particularmente a los festivales clandestinos realizados en las afueras de la ciudad por las mujeres de la isla de Lesbos y a los “Ololyga”, un grito ritualístico que representa un llanto de dolor o placer extremo y que era emitido en estos festivales. Mi madre y yo adoptamos el concepto del “Ololyga” e intentamos explorar su voz como su archivo de duelo e historia.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
La playa
La primera iteración de este proyecto fue un performance en vivo con mi madre, Gloria María Morillo. Basado en nuestras conversaciones mientras discutimos una selección de tragedias griegas, este performance intenta reconstruir una historia fragmentada de Puerto Rico a través de la perspectiva de mi madre. Este performance también hace referencia al ensayo “ El Género del Sonido” de Anne Carson, particularmente a los festivales clandestinos realizados en las afueras de la ciudad por las mujeres de la isla de Lesbos y a los “Ololyga”, un grito ritualístico que representa un llanto de dolor o placer extremo y que era emitido en estos festivales. Mi madre y yo adoptamos el concepto del “Ololyga” e intentamos explorar su voz como su archivo de duelo e historia.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
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Hellen Ascoli writes—about weaving and translation—"To let my body be the place where tension meets the ground," and I imagine a lightning rod connecting languages, pulling threads. She combs, she rakes, she draws an exhibition with neon tapes across her backyard, she stacks two tree limbs in an embrace. I spend my pandemic mornings in the sand of a barren yard in the Great Plains in isolation, and the grit powders my skin and gets into my teeth. We write each other letters. Manal Abu-Shaheen sends me a cyanotype she makes, of the ship that brought her great-grandfather to Ellis Island in 1907. She sends a photograph of the sun dunking into the sea beside Beirut. We talk about the failure of language to account for the distance between here and there, especially in these anguished weeks since the explosion. Her photographs of that city were already moving indoors, but now, isolating in New York, she imagines the intimacy of photographing her friends in their homes, indoors, together. The imagining is about closeness, about touch, about longing and what is no longer here, about having a coffee and telling the stories of this particular year. Thuy-Van Vu describes how her father would plant patches of green, plants and flowers, in the sun-bleached yard of his home in Phoenix, Arizona, and how they would always die under the summer sun there. We talk about things that couldn’t be said in words. “This is the idea of a house my father built,” writes poet Diana Khoi Nguyen. Plants now cover every surface of her Seattle office and home; she feels guilty for letting one of them expire for a painting. She sends photographs from a trip to Vietnam: modest sandals in a glass case at the Museum of Fine Arts in Ho Chi Minh City are marked with dirt from an artist’s day of work. A boy sands a carved Buddha, and the wood gradually changes tones. A typed list of “useful phrases for emergencies” in Vietnamese includes “Don’t shoot!” Photographs of a helicopter made of woven grasses and a broken wooden sculpture of a tank are local thrift store finds, imported from Vietnam.
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