Shraddha Borawake (n. 1983) es una artista transnacional y multidisciplinaria de Pune, India. Obtuvo un diploma del Centro Internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York, es licenciada en Artes Interdisciplinarias por la Gallatin School of Individualized Study de la Universidad de Nueva York y tiene un Máster en Bellas Artes por el Instituto Piet Zwart de la Academia Willem De Kooning, Países Bajos. La raíz de su práctica se basa en la producción e intercambio de conocimientos a través de lo audiovisual, así como en una práctica artística social en la India, Estados Unidos, Europa, Nueva Zelanda y Taiwán. Su obra siempre ha estado en el borde de dos mundos, el mundo cultural indígena y la realidad moderna postcolonial. Lo mágico y lo etéreo, la materia y la forma siempre han mostrado la tensión entre "Oriente" y "Occidente". Su práctica fluida de colaboración ha involucrado a muchas instituciones privadas, espacios públicos y organismos culturales de todo el mundo.
Shraddha Borawake (Pune, India, 1983) tiene una práctica artística abierta y descaradamente compleja. Basándose en la filosofía y la tradición espiritual de la India y en la teoría occidental, y habiendo explorado una multiplicidad de formatos y medios, su trabajo se centra en la producción de conocimientos a través de prácticas de colaboración que exploran los límites del lenguaje creativo. Se ve a sí misma compartiendo una ideología con el movimiento internacional fluxus, donde uno de sus principales preceptos es que "el arte es vida". Algunos de sus trabajos más recientes hacen referencia al cuidado y recuperación de heridas derivadas del mundo patriarcal y poscolonial, por medio de prácticas cotidianas y reconectando con las necesidades de su comunidad, nutriéndolas a partir de una práctica radicalmente inclusiva que abarca el arte y todos los demás aspectos de la vida.
Hablando sobre la creación de una inmunidad colectiva durante la pandemia en una conversación con la artista, reflexionó que para restaurar nuestra salud deberíamos tratar uno de los aspectos más heridos de nuestro mundo: la energía femenina. Durante las festividades dedicadas a Durga Lalita–un avatar de la diosa india asociada con los ciclos lunares, la abundancia y la multiplicidad en lo que respecta a la energía femenina–Borawake creó una ofrenda dedicada a The Backroom como un registro del tiempo y el conocimiento. A través de un texto, collages y polípticos de imágenes, ella se cuestiona si las obras de arte pueden ser talismanes para transmitir sanación. Acompañando a sus altares e investigaciones abstractas sobre la diosa, comparte imágenes de su contexto en su STUDIOBLOSSOM 1111 en Pune, India, donde su lente captura imágenes de insectos, altares, basura recuperada y reutilizada, así como algunas de las personas que le ayudan a ofrecer un espacio de cuidado.
Veneración y memoria del despertar de Shakti con el poder curativo del vientre cósmico.
“Lalita, izquierda entera y derecha abigarrada”
Maha Kala Chakra trata sobre el reloj cósmico. La mano izquierda y la derecha practican, que celebra la danza que es Sol y Luna, Masculino y Femenino, Oscuridad y Luz, Entero y Abigarrado. Es el equilibrio entre las energías femeninas cíclicas, naturales y vivas y las masculinas que son de naturaleza solar, unidireccionales y fuertes.
El desequilibrio que el patriarcado ha provocado en el reino Femenino es lo que este trabajo intenta abordar. Cómo curar con el tacto amoroso, ya sea haciendo un collage, ensamblando, combinando, enmarcando o preservando. Esta obra busca el amor en el acto de hacer y compartir el viaje de la adoración a la Diosa, en su abstracción. Lo abstracto es la representación exacta de cuán desalineadas nos sentimos como mujeres cuando queremos acceder a lo que se conoce universalmente como el mayor mega poder creativo, transformador y mágico - Shakti.
Comparto imágenes de mis propios rituales y prácticas de la Diosa. Su nombre es Lalita Maha Tripura Sundari. Ella viene en muchas formas, y tiene muchos nombres por la particularidad de su ser multidimensional e ilimitado. Sus nombres van desde grupos de 16 a 1000 formas etéreas de luz y constelaciones cósmicas que viven dentro y entre nosotros en la gran rueda del tiempo. Sin explotar, sin abordar, heridas u ocultas.
Por lo tanto, esta obra es un santuario, un lugar de refugio y una vibración visual creada para conectar colectivamente con lo que fluye en el río de la experiencia. Una encarnación de lo sagrado y la adoración de la energía y la vida a través del acto de hacer arte.
Tres obras que espero puedan compartir la información que he reunido de mis 6 años de investigación de la adoración a la diosa, de práctica y de los rituales que han sido borrados en mi generación en la India poscolonial y posglobal. Esta es mi forma críptica de transmitir los secretos de curación de mi alma.
Este díptico examina el calandria hindú, Drik Panchang, y trata de decodificar las formas autodidactas de profundizar en la cosmología de los algoritmos, las vibraciones de los nombres.
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Hellen Ascoli writes—about weaving and translation—"To let my body be the place where tension meets the ground," and I imagine a lightning rod connecting languages, pulling threads. She combs, she rakes, she draws an exhibition with neon tapes across her backyard, she stacks two tree limbs in an embrace. I spend my pandemic mornings in the sand of a barren yard in the Great Plains in isolation, and the grit powders my skin and gets into my teeth. We write each other letters. Manal Abu-Shaheen sends me a cyanotype she makes, of the ship that brought her great-grandfather to Ellis Island in 1907. She sends a photograph of the sun dunking into the sea beside Beirut. We talk about the failure of language to account for the distance between here and there, especially in these anguished weeks since the explosion. Her photographs of that city were already moving indoors, but now, isolating in New York, she imagines the intimacy of photographing her friends in their homes, indoors, together. The imagining is about closeness, about touch, about longing and what is no longer here, about having a coffee and telling the stories of this particular year. Thuy-Van Vu describes how her father would plant patches of green, plants and flowers, in the sun-bleached yard of his home in Phoenix, Arizona, and how they would always die under the summer sun there. We talk about things that couldn’t be said in words. “This is the idea of a house my father built,” writes poet Diana Khoi Nguyen. Plants now cover every surface of her Seattle office and home; she feels guilty for letting one of them expire for a painting. She sends photographs from a trip to Vietnam: modest sandals in a glass case at the Museum of Fine Arts in Ho Chi Minh City are marked with dirt from an artist’s day of work. A boy sands a carved Buddha, and the wood gradually changes tones. A typed list of “useful phrases for emergencies” in Vietnamese includes “Don’t shoot!” Photographs of a helicopter made of woven grasses and a broken wooden sculpture of a tank are local thrift store finds, imported from Vietnam.
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