Esta selección de obra está inspirada en la muestra Tamayo: Mito y Magia de 1979, curada por Fernando Gamboa —primer director del Museo Tamayo—, con la que el Guggenheim Museum de Nueva York celebró la trayectoria del artista oaxaqueño al llegar a sus 80 años de vida. El recorrido no responde a un despliegue retrospectivo ni cronológico, sino que propone evidenciar el diálogo permanente del artista con sus raíces y las fuentes que definieron su poética.

Las siguientes salas incluyen obra poco conocida o rara vez expuesta, esculturas prehispánicas y ejemplares de arte popular, muchos de los cuales acompañaron a Olga y Rufino por más de cincuenta años en sus diferentes domicilios, tanto en Nueva York como en París, para luego encontrar su lugar definitivo en la casa en la que la pareja vivió su última etapa en la Ciudad de México.

Curaduría por: Juan Carlos Pereda

Erick Meyenberg aborda la inauguración del Museo Tamayo, el 29 de mayo de 1981, con el ánimo de revisar este acontecimiento histórico a manera de un diálogo abierto antes que como un recuento historiográfico. Más allá de los árboles es una videoinstalación que surge de una profunda investigación del archivo hemerográfico del museo, tras la cual el artista seleccionó citas de distintas fuentes que fue hilvanando para crear un guion. El resultado es una experiencia que responde a la noción de heterofonía que Meyenberg percibe como una constante plástica en la obra de Tamayo, y como una variable fundamental de la historia institucional del museo.

Como en una obra de teatro, cada persona, objeto, o vestigio cobra no solo una conciencia, sino también una voz. Así, los personajes, autores, espacios e imágenes conforman una constelación polifónica que evade todo tipo de jerarquías. Lo que se puede ver es una sinfonía coral de cinco movimientos, interpretados por el Coro de Madrigalistas de Bellas Artes: “Un México con menos complejos”, “El fruto de mi trabajo”, “Largos años de batalla”, “El cemento hecho poesía” y “Más allá de los árboles”. Éstos se entretejen con imágenes de archivo, obras de la colección y con una serie de viñetas que el propio Meyenberg capturó en video en y alrededor del museo. A manera de introducción, se despliegan una serie de documentos impresos y audiovisuales que se refieren al evento inaugural, así como materiales gráficos que dan cuenta del proceso de análisis, producción y composición de la obra.

Curaduría por: Humberto Moro

La primera videoartista de nuestro país, Pola Weiss (Ciudad de México, 1947– 1990), se refería a la televisión como la caja mágica por su potencial creador. En el panorama de México, ese complejo vínculo entre arte y televisión toca, irrumpe e intersecta aspectos tanto artísticos como políticos e institucionales. Este núcleo toma como punto de partida los inicios del museo, cuando Televisa asumió su operación (1981 – 1986), para reflexionar sobre el impacto de esta coyuntura y el papel de los medios masivos de comunicación en el modelaje del lenguaje y la cultura. Asimismo, hace referencia a las formas en que los artistas —impulsados por las posibilidades de la tecnología del video y las transmisiones en vivo— comenzaron a experimentar con la imagen en movimiento como una reacción ante los comportamientos de la sociedad de consumo.

Dividido en tres secciones, el núcleo dedica un espacio a la relación particular de Televisa con el Museo Tamayo y el arte contemporáneo. En él se aborda la difusión de las exposiciones del museo en los programas y noticieros de la televisora, y cómo, a su vez, Televisa fue un referente que moldeaba gran parte de las perspectivas políticas y los afectos de sus televidentes. El segundo espacio está enfocado en artistas extranjeros que fueron influencias tempranas del videoarte en México, y que transformaron la fascinación por los medios masivos de comunicación por una mirada crítica y sospechosa frente al creciente poder de los medios. El último espacio se centra en artistas mexicanos que vieron en las posibilidades de difusión y movilidad del video, un camino seductor para la libertad creativa.

Curaduría por: Andrea Valencia

Para Rufino Tamayo, reunir una colección de arte internacional y establecer un recinto que la albergara, siempre fueron parte de un mismo proyecto. Si bien sostenía que su objetivo era mostrar las escuelas artísticas más importantes de su momento, la mayoría de las piezas del acervo guardan afinidades con los intereses pictóricos de Tamayo. Prevalecen entre ellas los ejercicios abstractos y geométricos, así como las exploraciones del color y de la materia misma que conforman la obra de arte. Su museo, así, resultó de una tensión entre el propósito de ser enciclopédico y un criterio de selección personal. En otras palabras, surgió como punto de inflexión entre el modernismo y el posmodernismo, en un momento en el que, por una parte, muchas de las premisas del primero ya no eran sostenibles —como su aparente carácter universal o la propuesta utópica de mejorar las sociedades—; y, por otra, las grandes narrativas que regían la producción cultural se vieron interrumpidas por una perspectiva posmoderna desde la cual dichos relatos resultaban insuficientes, inestables y fragmentarios.

Los criterios de selección que dieron forma al acervo fundacional del Museo Tamayo obedecen a una re-interpretación parcial y subjetiva de la historia del arte que, leída en el contexto del posmodernismo, puede ser bastante liberadora. Al dar cuenta del carácter irresuelto de dichos criterios, este núcleo busca ir más allá de presentar una taxonomía completa de la colección estructurada por categorías cronológicas o estilísticas y, en cambio, propone vías de interpretación más especulativas o incluso afectivas.

Curaduría por: Andrés Valtierra

El gran teatro (Teatro de títeres)

Después de su presentación en el Walker Art Center en Minneapolis, la exposición El gran teatro de David Hockney itineró al Museo Tamayo en 1984, en donde se mostraron las incursiones del artista inglés en las artes escénicas, así como la influencia que estas últimas tuvieron en el desarrollo de su pintura. En una labor titánica, Hockney recreó a menor escala sus escenografías originalmente concebidas para festivales de ópera o teatros como el Metropolitan Opera House de Nueva York, con óleos, acuarelas y maquetas adaptadas para la experiencia dentro del museo. El Teatro de títeres fue un caso excepcional en dicha muestra, puesto que la instalación completa fue diseñada y pintada por el artista a lo largo del montaje.

Este teatro guiñol se instaló a la entrada del museo como una antesala a la exposición, y se activó con diversas presentaciones como el Gato con Botas, dirigida por Juan José Gurrola. 

Presentándose por segunda vez al público 38 años después, esta obra tendrá nuevas activaciones de enero a abril de 2022, a cargo de Lagartijas tiradas al sol.

Los horarios de activaciones se pueden consultar consultar AQUÍ.