La práctica de Noé Martínez (Morelia, 1986) cuestiona la relación entre arte, política y participación al reunir relatos biográficos de la experiencia de su familia en su estado natal (Michoacán), manifestaciones de antiguas culturas indígenas de la región, junto con movilizaciones sociales contemporáneas. Sus primeras investigaciones en torno a las dimensiones visuales y culturales del lenguaje y su relación con el sometimiento de los cuerpos, se han extendido recientemente a la historia colonial del Golfo de México, y más específicamente a la trata de esclavos durante los primeros años de la invasión europea. En sus pinturas, tanto la salida de los huastecos del continente como la entrada de africanos de Cabo Verde, Angola, Congo y Mozambique, se desentrañan como una historia que se esconde en alta mar, en documentos diversos de la colonia y la persistencia de las dinámicas sociales de la época en la vida cotidiana.

Martínez es uno de los principales representantes de una generación de artistas que ha abordado en profundidad las identidades indígenas desde una perspectiva contemporánea, al tiempo que afirma la relevancia de las narrativas personales frente a la historia global occidental.

La obra de Fernando Palma fusiona imagen y palabra utilizando con frecuencia la lengua náhuatl en la cual, a diferencia de los lenguajes occidentales, los sujetos gramaticales no son fundamentales para la comunicación oral, dado que las cosas y los seres existen per se, y no es necesario enfatizar su existencia. La presencia de una persona se puede transmitir a través de la combinación de diferentes conceptos, cuya inmanencia es a menudo intraducible. Palma no solo está interesado en preservar la cultura ancestral de la que desciende, sino que, se preocupa por resignificar su legado para imaginar un futuro diferente y liberar, en sus palabras, la imaginación de las constricciones de la inercia social, política, ambiental o económica que nos están llevando a la autodestrucción. Nuestro entendimiento instintivo de los elementos naturales, los objetos desechados, las piezas mecánicas y los escombros industriales que aparecen en las esculturas y pinturas de Palma, consiguen subvertir los códigos culturales del capitalismo global.

Las esculturas de Berenice Olmedo (Oaxaca, 1987) examinan la constitución del cuerpo humano y las nociones sociales y culturales que tienden a condicionar nuestra percepción y entendimiento normativo de aquello que se considera bello y natural.  Al utilizar fragmentos de mobiliario médico, prótesis y otros dispositivos correctivos para construir sus esculturas, la artista cuestiona la idealización del cuerpo y sus distintos artilugios. La fragilidad de sus formas antropomórficas, cuestionan la cada vez más endeble frontera entre una vida biológica y su contraparte artificial.

ektor garcia (Red Bluff, California, 1985) es un artista multidisciplinario que se aproxima a la instalación a través de un amplio rango de experimentos con técnicas y materiales de carácter artesanal que parten de la serialidad y la repetición. El artista ha desarrollado un léxico con crochet, tejidos y otros trabajos textiles que combina con el uso de cerámica, piel, metales y materiales encontrados. Su obra resalta la relación entre arte y vida, al problematizar la frontera de las bellas artes con la cultura popular (high and low art) y mantener una vida y una práctica nomádica en diversos contextos. En este conjunto de piezas el artista recurre a una serie de materiales como placas, tubos e hilos de cobre, fibras de distintos orígenes, y caracoles que el artista recolectó en las costas de Oaxaca. La instalación recalca la independencia de los objetos, a la vez que refleja la narrativa de vida de garcia y la forma en la que los conocimientos técnico le fueron transferidos.

Madeline Jiménez (Santo Domingo, República Dominicana, 1986) explora las relaciones entre cuerpo, materia y geometría, repensando la condición de lo exótico y lo extraño a partir de los procesos migratorios.  Jiménez codifica la experiencia de la comunidad Afrocaribeña mediante la abstracción, y usualmente sobrepone un suave achurado de carbón, a formas coloridas y caprichosas que establecen una dicotomía formal y conceptual, utilizando a la vez procesos diversos procesos de degradación.  Una figura de manteca de cacao que habrá de resblandecerse a lo largo de esta muestra, es una referencia a Inserciones en circuitos ideológicos: el proyecto Coca-Cola (1970) de Cildo Meireles, que apunta hacia la fragilidad de la crítica artística.

Ángela Leyva (Ciudad de México, 1987) estudia la manera en que la memoria disuelve los límites de la identidad y utiliza la microhistoria como materia prima para generar una obra que resuene en esferas más amplias. 

La artista utiliza el archivo clínico en desuso de su padre médico para elaborar una serie de retratos de niños que mantiene en el anonimato. Leyva busca dar vida a estos personajes utilizando una factura que resulta casi tan compleja como su trayectoria conceptual: un proceso manual de transferencia de la imagen impresa sobre papel a la superficie del lienzo.

Cristóbal Gracia (Ciudad de México, 1987) reconfigura hitos históricos y fenómenos culturales a través de la reconstrucción de las crónicas oficiales. Utilizando el humor, la ficción, la violencia, el deseo y el fracaso, su trabajo desafía los sistemas ideológicos y de poder que rigen a la civilización occidental contemporánea. 

Law is a Bottomless Pit, or The Other History of John Bull I es un proyecto para el cual Gracia colaboró con 14 personas que estaban buscando asilo en el Reino Unido, y cuyo estatus político les impedía trabajar legalmente. Gracia contrató a los inmigrantes para replicar tres dibujos, uno después del otro, y hacer una cadena de copias de las copias. El primer dibujo era una hoja de papel completamente cubierta de carbón, aludiendo al pozo que menciona el título de la obra. El segundo dibujo transcribía la frase “Law is a bottomless pit” (La ley es un pozo sin fondo), y el tercero un retrato de John Bull, la personificación del Reino Unido creada en 1712, cuyo significado ha cambiado a través del tiempo. Bull servía originalmente para simbolizar la frustración de la gente ante imposiciones legislativas, y con el tiempo se convirtió en un símbolo del propio gobierno.

Fernanda Barreto (São Paulo, Brasil, 1988) es una artista multidisciplinaria que ha explorado diversos contextos urbanos como sitios de contacto e intercambio. Su trabajo reciente se ha enfocado en la utilización del lenguaje en de las prácticas de comunicación y enunciación colectiva. 

Las piezas que conforman la serie Hurakán presentan pequeñas esculturas hechas con residuos de cuerdas de barcos anudadas entre sí, que la artista ha encontrado en distintas costas de Latinoamérica. A la par, una placa de latón presenta fragmentos del libro El Hurakán de Germán Castro Caycedo, un reportaje sobre la historia no oficial de los viajes de Cristóbal Colón y el periodo de colonización que les siguió. En conjunto, estos elementos tejen una narrativa acerca del viaje, la conquista y el comercio, así como acerca de los efectos de desgaste, explotación y abandono que estos últimos tienen sobre los objetos y los cuerpos.

Rita Ponce de León (Lima, Perú, 1982) vive en la Ciudad de México desde 2003 y utiliza principalmente el dibujo, la escultura y la instalación para generar situaciones que funcionen como punto de encuentro y formas de aprendizaje entre personas en un mismo espacio. Mientras que sus instalaciones suelen ser producto de la colaboración con artistas o agentes culturales, sus dibujos, por el contrario, son una práctica solitaria. Para Ponce de León, el trabajo sobre papel es una forma de pensamiento intuitivo que le permite llevar a cabo lecturas emocionales de experiencias o situaciones diversas. Este conjunto de obras surge del confinamiento ocasionado por la pandemia, el cual modificó nuestras formas de interacción social, así como las relaciones con nuestros propios cuerpos. Los títulos provienen de conversaciones con colegas y otras personas cercanas.