Miguel Calderón (Ciudad de México, 1971) ha explorado una amplia gama de temas, desde las dinámicas familiares y la violencia social, hasta aquellos fenómenos que se califican como sobrenaturales. El sentido teatral de su obra cuestiona con frecuencia la delgada línea que separa la realidad y la ficción, tejiendo con ironía una crítica sincera y directa. En esta serie de fotografías de lugares en ruina y una escultura hecha de chalecos salvavidas usados, se revela el potencial visual del desgaste y la erosión. De manera similar, y considerando distintos modos de visualización y el papel de la percepción, el artista crea un juego en Pantalla hipnótica, mediante la alineación en perspectiva de pantallas con perforaciones irregulares decrecientes.

Julieta Gil (Ciudad de México, 1987) es una artista interesada en temas como el feminismo, las capacidades subversivas de la tecnología, la ficción y la memoria en tanto narrativas con la capacidad de resignificar a las instituciones. Su investigación artística incluye una variedad de materiales y formatos tridimensionales  –instalaciones, esculturas, renders y animaciones –. En ella, las intersecciones entre el mundo digital y el mundo material la llevan a reflexionar acerca del tipo de alteraciones que provoca la cibernética sobre la existencia humana. 

Mientras que la serie Nuestra victoria documenta y conserva las pintas de la manifestación feminista del 16 de agosto 2020, las impresiones en 3D son una huella espacial de elementos ornamentales tomados del espacio público institucional.

La obra de Armando Rosales (Cabimas, Venezuela, 1987) busca desestabilizar la percepción y mirada del espectador, al explorar las cualidades físicas de los materiales y su relación con el espacio. En palabras del artista, su práctica escultórica trata de mantener una cierta fluidez en su producción, generando una tensión entre instinto y funcionalidad. Así, una pieza como Estado Actual invita al espectador a ponerse una semi-esfera de concreto en cada pie para experimentar el lugar en el que se encuentra, desde la inestabilidad. Después de la exactitud articula una serie de piezas –objetos cotidianos y materiales extraídos de contextos específicos (dos espacios dedicados al arte como son Bikini Wax y Soma) –, que al dejarse absorber por el propio dispositivo que las alberga, ofrece una nueva configuración de su obra.

La práctica de Zazil Barba (Guadalajara, 1985) surge de una serie de cuestionamientos que actúan como motores para la creación de imágenes, escenas y objetos. Las preguntas que plantea no buscan una respuesta. Aluden a nuestra percepción del tiempo, y a las manifestaciones de mundos posibles.  

En estas piezas recientes, la entropía es entendida como la expresión física del derroche de energía, cuya fuerza es reinterpretada en un sentido que trasciende a lo poético. En el video There is no Now in the Universe [No hay un ahora en el universo], la artista yuxtapone la imagen de una masa de agua corriendo por el suelo con la voz del físico teórico Carlo Rovelli presentando su conferencia magistral “The Physics and Philosophy of The Time” [La física y filosofía del tiempo] en The Royal Institution. Por otro lado, las obras Umbral, Preludio I: de ventisca, y Recuerda: es la entropía, cuestionan los instantes críticos en los que las fuerzas universales se distribuyen, sin dictar una solución.

La práctica del colectivo Tercerunquinto (Gabriel Cázares, Monterrey, 1978; y Rolando Flores, Monterrey, 1975) constituye un reflejo de las dinámicas políticas y el malestar social tal y como se han manifestado en años recientes en el espacio público mexicano. Esta segunda versión de la pieza Paños (Segunda versión) consta de 57 telas de algodón que los artistas utilizaron para limpiar pintas callejeras. El conjunto de telas da fe de la contradicción implícita en el acto de remover la pintura en aerosol: más que un gesto de conservación dirigido a preservar el paisaje urbano, la iniciativa de los artistas apunta a preservar en otra superficie la memoria de la protesta social. Al transformar sutilmente un grafiti en una forma cromática abstracta, Tercerunquinto abre una serie de cuestionamientos acerca de a quién le pertenece el espacio público, qué vale la pena conservar y con qué motivo.

Exposición comprensiva de arte mexicano es una serie de seis pinturas al fresco del artista Josué Mejía (Ciudad de México, 1994) que estudia la relación bilateral entre México y Estados Unidos, en sus palabras, una “forma de adoctrinamiento disfrazada de amistad”. Este interés persistente en su práctica se traduce en una especulación representada en seis viñetas: la Coatlicue, madre de todos los dioses del panteón Azteca, se embarca en una aventura turística hacia el norte, pasando por el Detroit Institute of Arts, el Museum of Modern Art (MoMA), y la World’s Fair en Nueva York. Los cuadros ficcionalizan las relaciones políticas e institucionales que forjaron una serie de hitos culturales entre los dos países durante la década de 1930.

Daniel Godínez Nivón (Ciudad de México, 1987) utiliza la imaginación colectiva, el formato de asamblea y los talleres para generar experiencias comunes que, posteriormente, materializa en objetos simbólicos que condensan el resultado de dichas acciones. El proyecto Ensayo de flora onírica se origina en un taller de sueños con las niñas de la Casa Hogar Yolia. Godínez Nivón registra las plantas y flores con las que las niñas soñaron, y realiza una serie de ilustraciones y diagramas onírico-evolutivos que extrapolan conceptos de biología y botánica a la interpretación de los sueños. El video de dos canales es una visualización digital de cada una de estas flores, cuyas texturas y superficies parecen generar un territorio o micromundo alterno.

Paloma Contreras Lomas (Ciudad de México, 1991) utiliza de manera paralela la escritura, la creación de objetos y la imagen en movimiento, para investigar las consecuencias corrosivas, alienantes e inverosímiles del capitalismo tardío en México –particularmente en sus zonas rurales y marginadas. Influenciada por la cultura popular de los años 90s, los dibujos animados y la percepción anacrónica del México contemporáneo fuera del país, Contreras articula narrativas que oscilan entre la frialdad de un realismo crudo, y las visiones alucinatorias que afectan al paisaje y a los personajes con los que trabaja. Esta presentación sobrepone dos cuerpos de trabajo. Por una parte, la película El más allá mexicano, en la que una mina de Zacatecas funge como escenario para abordar temáticas de género, y examinar las jerarquías políticas, económicas y sociales de la zona. Por otra, tres sombreros hechos de materiales sintéticos representan tres paisajes ficcionalizados que se refieren a locaciones que se pretenden naturales, y aparentan tener un valor por su capacidad productiva.

Jerónimo Reyes-Retana (Ciudad de México, 1984) es un artista que explora los límites de la globalización, las cualidades multilaterales del expansionismo neoliberal y su integración a la esfera tecnológica. En Island of Conscious Power in an Ocean of Unconscious Cooperation (ICP-OUC) [Isla del poder consciente en un océano de cooperación inconsciente], el artista simula un paisaje sonoro de la Amazonía, a través de una interfaz de quince canales con clips de audio fragmentados en milisegundos de duración. Altavoces, cables y otros dispositivos –todos adquiridos en la plataforma comercial Amazon– materializan un sistema entrópico de conectividad para escudriñar desde una perspectiva no humana la posibilidad de extinción masiva. Adicionalmente, el artista presenta la videoinstalación de dos canales Selling Air [Vendiendo aire]. Se trata de un recorrido visual a través de los deteriorados interiores de una residencia de Nuevo Laredo abandonada en 2014 tras el asesinato de su dueño, un conocido líder de un cartel. Este recorrido se contrapone a una reconstrucción en 3D, limpia y minimalista, del mismo espacio, recurriendo a la estética comercial del negocio de los bienes y raíces. Ambas piezas constituyen un estudio sobre el desgaste de nuestras formas de percepción y consumo de los espacios que se ven constantemente afectados por el neoliberalismo y sus manifestaciones tecnológicas.

Pablo Dávila (Ciudad de México, 1983) utiliza elementos de la historia de la ciencia, de la música y de la poesía, para investigar las posibilidades físicas y cognitivas de la percepción. Su proyecto Armonías de transferencia (4^1,179,648) es un sistema de visualización de datos que el propio artista diseñó, en donde una pantalla de LED de gran formato interpreta, a través de los colores blanco, negro y dos tonos de gris, una cantidad astronómica de datos numéricos. Dichos datos, provenientes de una serie de unidades USB comercializadas por una compañía australiana para generar patrones numéricos aleatorios (o entrópicos), son procesados por una computadora que, a su vez, se exhibe por su función y su potencial escultórico. La imagen resultante de este complejo proceso pareciera a primera vista ser ruido visual; sin embargo, tras un reconocimiento más profundo, comienzan a emerger una serie de patrones. La función poética de este sistema es que, al ser verdaderamente aleatorio, abre la posibilidad de que en determinado momento una imagen reconocible pueda aparecer. 

Adicionalmente, el artista presenta un díptico sobre tela perforada con Láser en base a una composición granular fortuita que “congela” de manera inmediata dos eventos en el tiempo. Un loop musical confiere a la instalación, una dimensión cinematográfica al repetir con las palabras “People Who … ”  [“Gente que…”] como una especie de mantra.

Mario García Torres (Monclova, 1975) frecuentemente parte de investigaciones que analizan narrativas de la historia del arte, destaca la importancia de sucesos opacos, y propone, a partir de ellos, nuevos relatos. Sol Oseel (Monterrey, 1977) es artista, bailarín, músico y videasta. Su trabajo se sirve de los cruces performáticos, tecnológicos y conceptuales entre distintas disciplinas. 

Esta obra documenta y condensa una conferencia performática que los artistas llevaron a cabo durante 2019 en la Universidad Torcuato di Tella, en Buenos Aires. En ella, utilizaron tanto equipos olvidados como sonidos recogidos en el Instituto Di Tella y su Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales, lugares que fueron dos de las sedes más vanguardistas de Argentina durante los años sesenta. La conferencia fue presentada como un evento en el cual “el pasado se re-sincroniza con el presente” y explorar las relaciones entre un suceso, su documentación y su memoria. 

Este video no es un registro inmediato del performance sino una recreación a partir de material de archivo.