Marcos Castro (Ciudad de México, 1981) utiliza medios como la pintura, el dibujo y la escultura para estudiar los elementos que componen distintos sistemas de creencias: ya sean las cosmovisiones prehispánicas, los mitos fundacionales del México moderno, o las herencias globales del colonialismo y otras narrativas culturales. 

El artista suele recurrir a las diferencias entre forma y fondo, para trascender los límites dentro de los cuáles, se asume, existen las imágenes. Esta constelación de óleos sobre tela cuyas formas interactúan con una pintura mural, dan cuenta de la evolución de un estilo pictórico que incorpora trazos más rápidos y urgentes. El conjunto de imágenes representa un paisaje distópico y post-humano, en el que las referencias a las culturas prehispánicas, las escenas apocalípticas, y los encuentros entre especies, sugieren que la destrucción y la creación son parte de un mismo acto.

La obra de Segovia se plantea como una reflexión acerca de la masculinidad, la performatividad y la identidad de género. En esta serie, la artista parte de imágenes de archivo del cine de oro mexicano para abordar con humor la representación de estereotipos sociales y culturales como las figuras del vaquero y del charro. Con la trilogía El Prisionero 13, El Compadre Mendoza y ¡Vámonos con Pancho Villa!, la artista busca alzar la voz acerca de una sociedad regida por los hombres, y establece a la vez un paralelismo con la pintura como una disciplina históricamente dominada por el género masculino.

Romeo Gómez López (Ciudad de México, 1991) es artista y agente cultural, co-fundatriz de Salón Silicón. Su obra toma elementos de la cultura popular como el cine y la televisión, y del imaginario colectivo que posiciona a las celebridades en la cúspide de la vida y el discurso público. Gómez López genera una serie de cuestionamientos acerca de la necesidad de existir de estas manifestaciones culturales dentro de lo políticamente correcto, utilizando un lenguaje explícito pero honesto, para hablar de la sexualidad y el deseo y subvertir el heteropatriarcado.

La Heteropiedra es una obra comisionada por el Museo Tamayo en la que el artista hace una crítica del uso de la piedra como material representativo de un sector de artistas heterosexuales y para la cual utiliza, también, el arquetipo de “la chica criticona”: unas figuras de cera hiperrealistas recrean al elenco protagónico de la serie Mean Girls (Chicas pesadas) hablan de la hetropiedra sobre la que se encuentran mientras miran una réplica miniatura de la misma. En la viñeta, Regina George, una de las protagonistas de la historia, cierra el diálogo citando a la poeta japonesa del siglo X, Sei Shonagon: “Un hombre sin ningún encanto especial discute sobre toda suerte de temas al azar, como si lo supiera todo.”

Guillermo Santamarina (Ciudad de México, 1957) ha sido, desde los años ochenta, una de las figuras clave en el arte contemporáneo en México. Su carrera artística siempre ha ido de la mano de sus intereses curatoriales. La pieza Curador eficiente forma parte de un cuerpo de trabajos que cuestionan las figuras culturales y las estructuras del arte contemporáneo -la figura curatorial acomodándose entre la creatividad y el pragmatismo, entre el ser un facilitador del talento creativo y un empleado que produce y organiza. Esta pieza se complementa con dos pinturas que forman parte de la serie Individuo no objetivo, un cuerpo de trabajo que explora la tensión entre los impulsos creativos personales y la demanda social de mantener una postura imparcial.

La obra de Clotilde Jiménez (Honolulu, Hawaii, 1990) aborda temas como el género, la sexualidad, el racismo, y las limitaciones que aquello que conocemos como “Negritud” le imponen a un cuerpo humano.

En sus composiciones gráficas las capas, colores, texturas e intervenciones materiales, le permiten dar cuenta de los matices que representa el ser un hombre queer y Afrolatino. 

Marisol es un homenaje a Marisol Carbajal de Nova, cuñada del artista, cuyo cuerpo luchaba contra el cáncer al tiempo que Jiménez presenciaba las protestas públicas en contra de los feminicidios y la violencia contra las mujeres en la Ciudad de México. El dolor de percibir las condiciones de salud de su familiar y amiga, articulado con la conciencia de una problemática social más amplia, introdujeron al artista en un estado de conciliación entre el dolor psíquico y una angustia social. Esta obra es un memorial y al mismo simboliza la responsabilidad que el propio artista experimenta como parte activa de una sociedad de la cual, como inmigrante, ya forma parte.

Chelsea Culprit (Paducah, Kentucky, 1984) utiliza distintos medios como el dibujo, pintura, escultura y el neón, para hacer una obra de tipo expresionista en la que cuerpos, objetos cotidianos, patrones gráficos y elementos de la naturaleza despliegan cuestionamientos sobre los significantes binarios del género, particularmente los que refieren la experiencia de los cuerpos femeninos. Este conjunto de pinturas pertenece a la serie “Últimos granos” que marca un cambio técnico y formal en la trayectoria de la artista. Culprit crea sus propios carbones con ceniza y grasa animal, así como una pintura blanca a base de carbonato de calcio. Esta economía de los elementos refleja los desplazamientos de la artista entre las áreas montañosas del Norte del estado de Nueva York, la ciudad de Nueva York y la Ciudad de México. Este vaivén entre centros urbanos y puntos rurales, la ha confrontado con la lógica de los materiales que utiliza, destilando formas y procesos para estudiar las intersecciones de cuerpo y naturaleza desde un lugar introspectivo.

Bárbara Sánchez-Kane (Mérida, 1987) es una artista multidisciplinaria que trabaja con medios como la poesía, la moda, la indumentaria experimental y, más recientemente, la pintura. La obra de Sánchez-Kane desafía las nociones tradicionales de género y cultura que separan lo masculino y lo femenino, lo natural y lo artificial, lo feo y lo bello, el arte y la moda. Sus instalaciones, performances, pinturas, esculturas y poemas se desenvuelve en un universo visual que fomentan la ruptura de códigos sociales, en tanto la obra pictórica incluída en esta muestra deconstruye los cuerpos en escenarios domésticos, en medio de palabras y frases que aluden en forma poética a experiencias que trascienden la corporalidad. Al utilizar en forma intermitente la identidad de su marca, Sánchez-Kane, así como el seudónimo SOLRAC, la artista también consigue problematizar el concepto de identidad, al presentarlo como un fenómeno inestable y en flujo constante.

La obra de Javier Barrios (Guadalajara, 1989) busca deconstruir distintos tipos de sistemas de pensamiento político, social y más recientemente científico. El artista se embarcó en una expedición en el estado de Florida, EEUU, para encontrar la Dendrophylax lindenii, mejor conocida como la “orquídea fantasma”. Esta especie de orquídea, nativa de aquel estado y de algunas regiones de Cuba, se da en condiciones ambientales que requieren tal grado de estabilidad, que ahora solo es posible encontrarla en reservas naturales o lugares protegidos de la huella humana. A partir de su viaje y del encuentro con una serie de personajes y lugares, Barrios vuelve a la Ciudad de México con una experiencia de proporciones épicas. Este grupo de pinturas revela la intersección entre las reminiscencias de las formas caprichosas de la orquídea fantasma, y algunos elementos que parecen describir entidades fálicas y monstruosas que, simultáneamente, dialogan con lo que el artista llama visiones budistas del infierno.

ASMA es un dúo formado por Matías Armendaris (Ecuador, 1990) y Hanya Beliá (México, 1994). Su trabajo utiliza narrativas abiertas y espacios arquitectónicos para explorar las relaciones entre pintura y escultura, poniendo especial atención a la interacción y al proceso de afectación mutuo entre los objetos. Lxs artistas presentan una serie de obras que existen en un espacio liminal entre lo pictórico y lo escultórico, con alusiones a formas orgánicas y exuberantes del Art Nouveau, así como a texturas epidérmicas.  

La instalación Poción Multijugos (2020) consiste en una flor hecha de parafina blanca y resina, concebida para existir en un ambiente de color rojo intenso que ha terminado por contagiar el resto del espacio expositivo.

Al plantear la pregunta de cómo el significado y la función de un objeto se ven afectados por el paso del tiempo, la obra de Tania Pérez Córdova (Ciudad de México, 1979) arroja luz sobre los movimientos y desplazamientos que hacen la autobiografía de una obra de arte. La artista revela las cualidades performáticas de los elementos que utiliza, mediante un cuestionamiento de la pasividad de los materiales. Sus esculturas, sin embargo, no tratan de narrar la historia individual de las cosas, sino de volverla visible al desencadenar las narrativas potenciales que residen fuera de ellas y que emanan del entrelazamiento de un título descriptivo con la complejidad de la técnica: Cabello humano trenzado, contenedor plástico, shampoo, bomba de agua…

Yann Gerstberger (Cagnes-sur-Mer, Francia, 1983) es un artista que trabaja con medios como la pintura, el dibujo y más recientemente el tapiz, utilizando una técnica propia en la que emplea fibras de algodón comunes (originalmente hechas para trapeadores) que tiñe con anilinas comerciales, y luego adhiere una tela industrial. La contraposición de un género tradicional como el tapiz a los materiales cotidianos de tipo industrial crean una sensación única en la que formas y patrones remiten a las fantasías tropicales de América Latina vistas desde la mirada Europea, a partir de un vocabulario de imágenes vernáculas. 

Para esta instalación de sitio específico, Gerstberger concibió una instalación inmersiva que consiste en un mural de formas orgánicas inspiradas en el camouflage (una textura que simula los patrones naturales de un ambiente determinado) que se mezclan con una serie de tapices, generando una suerte de jardín abandonado en el que la fauna y la flora han reclamado la posesión del espacio.