Diálogos interespecies, comunalidad y otros objetos transversos

Comunalidad y florestanía son dos formas de vida que han emergido de las comunidades indígenas del sur de México y de los ciudadanos de la selva amazónica, respectivamente. Ambas cosmovisiones manifiestan redes sostenibles del hacer y del conocimiento ante los lugares comunes capitalistas caracterizados por la voracidad. Comunalidad define el trabajo de Agenda Guelatao, un grupo de jóvenes nombrados por una asamblea tradicional como los productores de nuevas formas de diálogo comunitario, quienes causalmente designaron el cine y la producción audiovisual como los medios a través de los cuales han desmitificado nociones de autoría hollywoodense. De igual manera, Marjetica Potrč (Ljubljana, Eslovenia, 1953) produce redes asociativas de personas y discursos gráficos. A través del dibujo sintetiza saberes y cosmovisiones imbricadas en contextos específicos. Para The Backroom presenta bocetos, notas y otros referentes relacionados con la naturaleza, el deseo y reflexiones sobre posibles futuros comunitarios, basados principalmente en experiencias en Sudamérica. Por su parte, Patricia Domínguez (Santiago, Chile, 1984) propone una selección del archivo alrededor del proyecto Eres un princeso el cual realizó en la comunidad de Honda en Colombia en 2013 y donde revisa la noción de naturaleza a partir de las afecciones híbridas entre caballos y sus cuidadores. Ella concibe su obra como una “plataforma para producir co-existencias o emergencias extrañas entre especies”. Patricia a su vez es fundadora del Estudio Vegetalista, su propio germen de carácter colectivo.

De progreso, sólo cenizas se amontonan

De progreso, sólo cenizas se amontonan agrupa las prácticas de Javier Orfón, Nibia Pastrana Santiago y Ramón Miranda Beltrán como puntos de partida para conceptualizar los procesos de desmodernización y estética decolonial dentro del contexto contemporáneo de Puerto Rico. En el lapso de semanas, los iconos de la modernidad puertorriqueña en forma de Casa Klumb en Río Piedras y el Observatorio de Arecibo perecieron. Estos acontecimientos ponen de manifiesto la decadencia colonial que se deriva de décadas de lógica neoliberal aplicada al proyecto colonial moderno que define el actual estado político de Puerto Rico. A partir de estas cenizas y escombros, los artistas buscan direcciones para posibles escapes de una modernidad impuesta a través de exploraciones de trabajo en sitios específicos dentro de sus prácticas.  

Javier Orfón, Nibia Pastrana Santiago y Ramón Miranda Beltrán amplían las nociones de trabajo en lugares específicos para reflexionar sobre la relación de su práctica con Puerto Rico y el Caribe en general. Conceptos de las ciencias sociales y las artes escénicas aprovechan su investigación como modos de compromiso con las narrativas proyectadas de la modernidad y el progreso. A medida que la decadencia tropical se instala y la austeridad arranca el progreso, es necesario un cambio de óptica para concebir direcciones a partir de las diversas modernidades estancadas que definieron el siglo pasado. Al pensar en este archipiélago específico, el artista considera las relaciones entre el aquí y el allá; el allá entendido como la metrópoli moderna que proyecta sombras sobre esta región; el aquí, este lugar al que llaman hogar, en toda su complejidad e idiosincrasia.

En los bordes porosos y la decadencia radical: suavizar los límites de las cosas

Mediante el dibujo, la pintura, la técnica mixta, el ganchillo, la animación de vídeo y el collage, Caroline Wells Chandler, Akira Ikezoe y Mario Santizo están, tal vez, unidos solamente por la forma en que se desenvuelven. A partir de la deconstrucción taxonómica de las colecciones de los museos por parte de Akira, vemos una disolución de los sistemas occidentales de conocimiento que guían tales colecciones " comprensivas"; en su práctica idiosincrásica de coleccionismo y sus dibujos y animaciones con medios mixtos, sigue un proceso onírico, similar al crecimiento excesivo de los edificios cubiertos de barro o hierba, la transmutación de humano a animal, cómo la cola se convierte en cuento--"tail to tale". Los diagramas se convierten en historias en lugar de instrucciones, las cabezas de coco interrumpen la lógica de la colección, el hombre se convierte en cebra. Caroline camina por el bosque, haciendo una profunda observación de los procesos restaurativos de la decadencia que ocurren allí. Los meses de cuarentena en Nueva York desaceleran la vida cotidiana, haciendo que los procesos naturales sean más visibles en su totalidad, más resonantes en sus interrelaciones. Hace crochet con bichos, una tortuga, una hoja, lee libros de naturaleza, regresa una y otra vez a la herida de Cristo y su forma evocadora, un sitio de transformación/penetración física y un portal misterioso. Mario podría ser un anti Linnaeus de su ciudad, catalogando las paradojas emocionales del lugar, siempre curioso sobre cómo el conocimiento local (incluyendo la historia y el humor, la ética y la violencia) se forma y pervierte a sí mismo. Sus loros describen la formación repetitiva de un discurso políticamente vacío; su revisión de la conquista colaborativamente transforma, cuirifica, la imagen de un libro de texto de historia. Dibuja la forma en que el individuo es desaparecido por la ciudad.

Los límites son bordes consensuados de algo, pero cuando los suavizamos, queda una especie de descripción intuitiva-respuesta que desafía la simple definición. Vistos juntos, Mario, Caroline y Akira siguen los tejidos conectivos de la imaginación como un sitio natural de síntesis: allí, sugieren, encontramos mundos menos limitados por la lógica de uno u otro, un ecosistema de historias que cambia de forma, constelaciones de conocimiento que hacen del yo una colección en lugar de un sitio único. Y así, tal vez esto se trate también de los cuerpos, y de cómo son infinitamente porosos, siempre una acumulación de nuevos crecimientos y pasados fragmentados, siempre en relación con los mundos que nacen y se desmoronan a su alrededor.

Estar íntegro y completo: exploraciones sobre la salud y la sanación

El 2020 ha sido un año marcado profundamente por la relación que tenemos con nuestros cuerpos, en relación a la salud, la enfermedad y a la distancia que tenemos que guardar con otros. Sin embargo, la salud, el bienestar y el bien-estar, han sido temas tratados por los artistas desde tiempos inmemoriales. En esta selección para The Backroom tres artistas de diferentes latitudes y formas de trabajo comparten sus reflexiones sociales, espirituales y políticas en torno a la salud, el cuerpo, los procesos de sanación y cuestiones ligadas a nuestra vitalidad. Shraddha Borawake (Pune, India, 1983) propone un acercamiento y compromiso a prácticas espirituales asociadas al poder de lo femenino para la sanación colectiva. Elena Mazzi (Reggio Emilia, Italia, 1984) comparte su investigación sobre vertebras y arquitecturas reminiscentes a estos huesos, derivada de una residencia en Islandia mientras su cuerpo pasaba por una fase de recuperación. Antonio Monroy (Toluca, México, 1984) ve la salud y el cuerpo como un territorio holístico y de resistencia, donde la medicina tradicional y los remedios naturales desafían conceptos occidentales de medicina. Desde la creación de collages, la revisión de archivos personales y el dibujo los artistas nos invitan a cuestionarnos el significado de estar íntegro en tiempo de desbalance.

Desenterrando relaciones…

‍Para esta iteración de The Backroom, Desenterrando relaciones…, se presenta el trabajo de tres artistas de diversos orígenes, cuya mirada penetrante es capaz de resaltar tensiones que de otro modo pasarían desapercibidas. Desde diferentes puntos de vista: considerando las condiciones de lo que es historizado; destacando las relaciones entre el deseo y el espacio; o declarando a los errores como forma de creación, Barb Smith, Tom Burr y Jorge Méndez Blake, van más allá de lo visible y comparten cada uno una colección de materiales contingentes a proyectos muy concretos. De esta manera, presentan una excavación de su trabajo, revelando aspectos íntimos de sus prácticas y modos de producción, así como indicadores más amplios de los contextos en los que crean.

un grano de arena comprende, la distancia

Las prácticas de Génesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo, y Bleue Liverpool, seleccionadas para un grano de arena comprende, la distancia, meditan sobre la diáspora, la distancia, y ese je ne sais quoi que marca la vida contemporánea en un país extranjero. Con una orientación compartida hacia la cuenca del Caribe y trabajando principalmente en imágenes fijas y en movimiento, las artistas reflejan estas ideas a través de diferentes estrategias para crear sentido. Despliegan mitos y tragedias griegas, interpretaciones simbólicas de elementos efímeros y mutables, y sistemas geométricos intuitivos como tácticas que se aproximan a nuestra relación fragmentada con las experiencias vividas y los lugares encarnados. Los documentos reunidos para un grano de arena comprende, la distancia atestigua el pensamiento de que un grano de arena, por minúsculo que sea, comprende la distancia a medida que viaja, barrido por el viento en el Sahara o transportado por ciclos oceánicos continuos, en constante separación pero inextricablemente ligado a su origen.  

Considerando la arena como un gránulo individual con una historia geológica muy variable y rica, la selección para The Backroom considera este material como una metáfora de la cultura humana y de la diáspora. A medida que se forma y cambia a través de los procesos de erosión, intemperie, tránsito y sedimentación, un grano de arena revela la historia de su origen, trayectoria y de la propia Tierra. A medida que se forma y cambia a través de procesos de dispersión, desplazamiento, huida y migración, una diáspora refleja una historia de su origen, trayectoria y la historia de los lazos emocionales y sociales con su tierra natal. En relación con esta idea, la obra de Génesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo y Bleue Liverpool manifiesta la cultura contemporánea de la diáspora como una sedimentación y compresión del pasado y el presente, basada en la acumulación de experiencias e ideas individuales.

Tacto por encima del miedo: algunos pensamientos acerca de las raíces y el anhelo‍

En estos documentos sobre su proceso, Manal Abu-Shaheen crea capas entre los viajes de su familia desde los Estados Unidos y Líbano con los suyos propios a través de fotografías familiares, ephemera e historias. La artista reflexiona sobre lo que significa estar a distancia de sus amigos cercanos en Beirut mientras ellos se recuperan y sobreviven a los acontecimientos de este año, así mismo imagina cómo fotografiar el espacio interior de esa cercanía, lo que esto significará para la forma en la que ella realiza las imágenes en y de la ciudad. Hellen Ascoli busca el conocimiento implícito en el tacto del hilo, el cuerpo del tejedor, las palabras del tejido. Aquí, ella desafía una jerarquía occidental del lenguaje sobre el tacto, volviendo a centrar la función del textil (envolver, calentar, tocar, suavizar, cuidar) sobre la palabra escrita. En una serie de ejercicios cortos, traduce el Kaqchikel Maya Keemik, Keetik y Keexik a través de su cuerpo mientras teje, remueve la tierra y rompe ramas: envuelve una raíz en un abrazo tejido. Las pinturas de Thuy-Van Vu a menudo se centran en objetos separados de su contexto: linternas de papel, escombros de construcción, un mosquitero. Intrincadamente representadas, tienen poesía en su delicado manejo de materiales modestos y en su sutil separación de los mundos que las rodean. Aquí, la artista comparte fotografías de un viaje a Vietnam en las que considera las tradiciones artesanales separadas de su lugar de origen. Junto al papel de arroz, un Buda tallado y objetos de museos, muestra objetos de su casa: una fruta "mano de Buda", un tarro de caramelo grabado, un helicóptero de bambú de una tienda de segunda mano. Ella tiene ojo para apreciar la manera en la que nos encontramos en la vida de los objetos y los paisajes. Juntos, los procesos de trabajo de estos artistas están cargados de información sobre materiales y cómo éstos llevan consigo historias tácitas de valor, cuidado y pérdida. Reflexionan sobre la cercanía y la distancia, y sobre los paisajes que recordamos a través de las generaciones.

Cosmovisiones indignas / imaginarios radicales
Iki Yos Piña, Mariechen Danz, Naomi Rincón Gallardo

Los documentos seleccionados para The Backroom son evidencias de ciertas estrategias de producción para liberar el deseo, transmitir conocimientos y el fluir del género. A partir del cine de autor, la pedagogía y el performance las artistas invitadas proponen elementos que componen otros relatos como vías para influir en realidades consolidadas hegemónicas, coloniales y patriarcales.
Desde naturalezas distintas, ellas se han procurado una condición migrante, lo cual ha repercutido en los lenguajes que proponen en su práctica artística. Yos (Venezuela) clama a una deidad mítica venezolana por las travestis del futuro; Mariechen (Irlanda) convoca elementos multiculturales del entendimiento del cuerpo a partir de íconos mesoamericanos; Naomi (E.U.A.) congrega relatos de culturas originarias y testimonios actuales de despojo en México para crear narrativas ficcionales. Estas estrategias en conjunto sugieren epistemologías de carácter fugitivo y disidente ante realidades que se presentan opresivas.